后疫情时期时尚行业的自我重塑从时装周开始|疫情|时装周_新浪时尚

　　记者 | 陈奇锐

　　编辑 | 楼婍沁

　　但它们准备好了吗？

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　　上至设计创意、下至门店分销，全球时尚行业正面临着自2008金融危机以来的最大挑战。有的品牌在四处奔走以求分到一点勉强维生的资金，而有的则直接走向了破产。

　　在任何萧条时期里，这是平常到不能再平常的现象。如果是在2015年前后的那段行业低潮期里，品牌经营困难多半会被解读为社交媒体时代下的策略问题；但在这段已超半年的全球隔离时期，整个时尚行业能否再度发动都被打上问号，毕竟连作为核心的时装周体系在这期间都遭到了史无前例的冲击。

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　　对于时尚行业来说，时装周依然是维持其门面和尊严的重要部分。店可以关、人可以裁、品牌可以倒闭，时装周却不能停下。于是乎，我们在夏天看到了发布于线上高级定制时装周和各品牌的早春系列时装秀。

　　而伴随着九月全球多地疫情控制状况的好转，线下时装周终于在缺席了半年后回归。美国时间9月11日，纽约时装周首先开走。但由于Marc Jacobs和Michael Kors等设计师的缺席，整个时装周变得支离破碎，与去年同期评论家们高呼“纽约时装周回归”的图景大相径庭。而大洋彼岸的伦敦时装周也没有好到哪里去，仓促而匆忙的安排让人难以对其中的设计作品留下深刻印象。

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　　直到米兰时装周的举办，人们才难得地又看到一个有序且平整的时装周体系。在过去一段时间里，意大利传统时装屋的经营困境曾为米兰时尚蒙上阴影，并让回归和转型成为时装周主题。

　　如今，这种思路也于后疫情时期举办的第一场时装周中得到延续和强化。在Karl Lagerfeld去世后连续两个季度“保持原状”的Fendi无疑是这种理念的最好诠释者。

　　对于品牌来说，保持现状并不是一个带有赞赏意味的词汇，与设计师创造力匮乏关联甚至为它带来了贬低的意味。但在Fendi这里，这一举动却向人们传达出了乐观信号。在当下超速运转的时尚行业，人们已经难以想象会在出现一位担任创意总监长达54年的设计师。

　　Karl Lagerfeld在超过半个世纪的掌帅生涯中定义了如今Fendi的模样，其数十年创造的“Fun Fur”概念以及“双F” Logo更是如今Fendi年轻化的重要推动力。如何消化好由Karl Lagerfeld留下来的庞大遗产才是Silvia Venturini Fendi的焦点。

　　因此，我们可以在Fendi的2021春夏秀场上再度找到那些曾由Karl Lagerfeld和Silvia Venturini Fendi共同创作出的轻盈轮廓和雅致姿态。柔和的半透明浅色亚麻布被装饰上了需要工匠以极度精细技术来刺绣的花卉图案，它们与富有层次感的内外搭配和走路时随空气摆动的形状，一同展现出午后树影斑驳的光影效果。

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　　轻盈的另一面，则是Silvia Venturini Fendi想要展现出的家庭厚重感。这种设计思路来自于她在隔离期间与家人相处的经历。

　　设计师试图通过家庭模式带来的稳重和亲切氛围，来让人们从疫情时期感受到的不安全感中逃离，并于秀场上转换为带有传统意大利风格的收腰大衣和连衣裙。工整的裁剪技艺、敞开的领口、收窄的腰线和喇叭状的袖口都让人联想起《西西里的美丽传说》中Monica Bellucci的凹凸身姿。

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　　不过，这可能是Fendi于“后Karl Lagerfeld”时代的最后一次“回归”了。就在大秀举办的前一周，LVMH集团宣布Dior Men创意总监Kim Jones将同时担任Fendi的首席设计师，为维持了一整年“现状”的Fendi开启了新的转型之路。

　　而对于在9月25日发布新系列的Marni来说，虽然没有经历人事和发展战略上的剧烈变化，但却用一种全新的方式来重新连结时装与生活的关系，向人们宣告时尚的“回归”。

　　品牌创意总监Francesco Risso在完成设计后，以邮寄的方式将成衣寄送到居住于纽约、上海、东京、洛杉矶、伦敦、巴黎等城市的家人和好友手中，并让她们走上街头，以一种类似于接龙般的方式在线上直播中向看客们展现时装。

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　　这种模式寓意着，因疫情而被隔离在各自国家和城市的人们能够因为时装而再度连结起来。不同城市街景的接力式呈现凸显了共享时装的平等化乌托邦愿景，人们不再是于狭小的秀场里穿着和享受时装，她们走上了街头，将时装的魅力融入到现实生活里面。

　　其中，涂鸦无疑是展现这种反叛意识和多元文化观的最有效的图样。Francesco Risso从Marni的档案中汲取灵感，将色彩斑斓且不为形态所束缚的涂鸦笔触绘画在服饰上，从带有少数民族宗教仪式感的血色鲜红，再到凸显街头文化的宣言字样，多文化的沟通在这里实现了某种形式上的平衡。

　　当然，极为精彩的解构主义廓形也不应被忽视，长短裙、撕裂的齐胸T恤、带有未完成特征的条纹连衣套装都为我们展现了Francesco Risso天马行空的想象力和强大的制衣技术，为一度略显老气的米兰时装周带来了新的活力。

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　　但在Marni之前，米兰时装周的高潮时刻早就已经在Raf Simons于Prada的首秀上到来。事实上，我们甚至可以称之为整个2021春夏时装周的高潮时刻，《纽约时报》时装评论人Vanessa Friedman一度称这场秀“比两位设计师的声誉和整个公司的财富还重要”。

　　此前我曾在一篇总结2010年代时尚行业发展的文章里提到过，Raf Simons已然成为当前行业中“创意对抗资本（销售额）”的符号。因为Calvin Klein支付的高额薪酬和彻底且高调的转型过程，Raf Simons的离开可以说是以一种“惨烈”的方式放大了这一矛盾。他在Dior的成功和在CALVIN KLEIN 205W39NYC不愉快的分道扬镳，集中了这个行业里关于设计师是否要掌握品牌全部话语权的争论。

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　　而在另一方面，Raf Simons又是我们这个时代最重要、也最具影响力的设计师。凭借对青年和亚文化视角的关注，Raf Simons自1995年发布首个成衣系列后，在这个略微小众的领域里积累了及其深厚的声誉。当街头潮流席卷而来时，Raf Simons自然而然也伴随着那批忠实的亚文化消费者成为这场时尚运动中的偶像，他在黑人和白人消费者之中都能够被接受。

　　同时，Jil Sander、Dior和Calvin Klein这“三连跳”的大众品牌设计经历，让Raf Simons影响力得到成倍叠加式的增长，以至于他在离开Calvin Klein之后依然能在整个行业中保持活跃并处于中心地带。

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　　因此，对于目前还尚未完全走出经营困境的Prada来说，与Raf Simons的合作便被赋予了更多的期望。人们想知道，纯粹的创意能否在这个时代的时装行业中存活下来，并再度成为驱动时尚品牌发展的主要动力。

　　而从9月24日的发布会来看，这一期望或许暂时无法实现，但它并未全无可能。过往Miuccia Prada创作的那种“中产阶级审慎魅力”设计被削减，取而代之的是在Raf Simons设计中独特的中性气质，它们展现于无袖T恤、Logo卫衣和利落西装之中，让人看起来更为瘦削而冷漠。

　　同时，许多模特穿着服饰的腰线被明显拉升，早前曾在Dior 2014春夏高级定制系列中出现的镂空细节则在这里又一次现身，并且这些洞口的边缘看起来似乎更为粗糙，像是被直接撕掉或用及其剧烈的方式裁剪掉一般。长期与Raf Simons合作的艺术家Peter de Potter亦参与了这一系列的创作，那些如同涂鸦般的文字和墨迹印花即优雅又叛逆。

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　　以往于Miuccia Prada设计中常见的明亮色彩在这一系列中同样也得到呈现。浅粉色、鹅黄色、浅草绿色在开场后逐一被展现，早前分别在1996春夏和1996秋冬系列中出现的两种方形印花也被装饰到了宽松的茧型裙装上。但在大秀的后半段，整体服饰的色彩由多元转向黑、白双色，与遍布秀场全方位无死角拍摄的摄像机共同描绘了一副置身于科技时代中的单调图景。

　　这在某种意义上是对疫情时代下人们被限制于狭窄空间中的反思：科技延展帮助人们越过物理界限，延展感官的接触范围；另一方面，科技某种程度上亦反过来操控了我们的生活，将其变得扁平而无趣。

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　　从这些设计来看，Miuccia Prada和Raf Simons无疑在创意上达成了共识，并且向看客们带来了一个同时具有观赏性和文化内涵的系列。但双方明显并不打算就在此止步，他们将Prada的倒三角标志再度开发，使其以卫衣印花、耳环、坡跟鞋鞋舌的形式出现，可以说是满足了当代时尚爱好者们对凸显Logo的狂热追求，你完全可以想象这些单品在六个月后分别在社交媒体关注度和销量上的亮眼表现。考虑到Miuccia Prada向来热衷使用的矛盾和讽刺视角，这种无处不在的Logo装饰创意有时候甚至更值得拍手叫好。

　　可以这样说，Miuccia Prada和Raf Simons合作的首秀圆满地完成了它所需要做的任务，于创意和商业层面均实现了巧妙的平衡。但在秀后的对谈中，两位设计师却同时表示创新是一个极难回答的问题。于Raf Simons而言，创新意味着要让自己处于更大的场域里，必须与外界接触；而Miuccia Prada则依然坚持她最基本的原则，要通过不断地理性学习和积累去挖掘创意思路和习得裁剪手法。